Interessato ad una concezione della scultura come tensione aperta alle sollecitazioni sensibili della materia,Marchese sviluppa fin dai primi anni Sessanta una costante dialettica tra forme organiche e geometriche ponendo in relazione il progetto plastico con lo spazio architettonico.

Il processo costruttivo avviene attraverso contrapposizioni di energie fisiche e immaginative che l’artista fissa nei disegni preparatori come esigenza di cogliere il dinamismo delle forme nel loro sviluppo oltre la definizione chiusa dell’immagine. Il rapporto con l’ambiente e con la presenza del paesaggio si avverte nella pratica progettuale e disegnativa con cui Marchese interpreta la realtà sfuggente e molteplice dello spazio.

La complessa dimensione dei materiali che compongono il corpo della scultura viene prefigurata nelle opere su carta attraverso i ritmi mutevoli del segno, le valenze aeree dei vuoti, il senso tattile dei pieni con cui l’artista cerca nuove metamorfosi strutturali dell’immagine.

Questo carattere fluido si amplifica dopo gli anni Ottanta attraverso l’uso del vetro, lastre curvate e plasmate, trasparenti e al tempo stesso solide, che determinano una visione cangiante e inafferrabile. Della mutevolezza di queste forme plastiche Marchese restituisce nel disegni il senso instabile della luce, quella soglia tra visibile e invisibile che la lezione di grandi scultori come Medardo Rosso e Umberto Boccioni continuano a sollecitare come coscienza dell’atmosfera totale in cui la materia si trova ad agire. In tal senso, il movimento assume un ruolo dominante dal disegno all’opera, dal progetto all’oggetto, dalla prima idea all’esecuzione della forma. Si tratta di un continuo sperimentare la genesi della luce attraverso apparizioni che corrono sul filo del pensiero, lineamenti di forme avvolgenti che indicano la precarietà e la leggerezza dello spazio in cui avvengono i riflessi di queste fantastiche magie.

Giancarlo Marchese ha insegnato all’Accademia di Brera dal 1976 al 2000.

Il 6 e 7 marzo 2010, presso lo studioarea22, esposizione e vendita di creazioni nate dalla passione di questi 15 “agricoltori delle idee” i quali, pur avendo altre attività che li impegnano nel quotidiano, non rinunciano nel loro tempo libero a coltivare idee che si trasformano in oggetti che racchiudono ed esprimono tutta la loro necessità di “creare” .
Gli espositori sono stati selezionati secondo criteri di unicità e qualità del prodotto proposto, volendo differenziare l’iniziativa dai molti mercatini di artigianato seriale, per offrire ai Milanesi un weekend nel quale poter trovare un luogo che offra prodotti che non troverebbero altrove.

Il 6 e 7 marzo 2010
C/O studioarea22
via G.Giusti 22 – 20154 Milano

http://ilfruttodellingegno.blogspot.com

Gli espositori

Almondidea – arte grafica; aQsSì – abiti, soprabiti e complementi per il vestire; Barlafùs – addobbi per sciure; Borse di Clara – colore e allegria da indossare; °Coxy° e FISH MARKET – borse & t-shirt; Doris Jung – modista; Elisabetta ABC Hobby – arzigogoli di lana; Feltroanch’io – creazioni in feltro e seta; Garbagelab – (eco-borse + eco-cose) creativizzate; La Cape Noire – abbigliamento donna; Lia e Nanda Bijoux – bijoux; Lola Torres – cioccolatini emotivici; Mamma Nae – creazioni per bimbi da 0 a 3 anni; MDM Creazioni – gioielli e bijoux: Pietro Mareamaro – illustrazioni di moda.

In tre anni di detours nel mondo fotografico di rado sono riuscito a godere di una mostra così ricca come quella allestita in questi giorni ( e in permanente fino al 2 giugno) presso il centro internazionale di fotografia di Milano, e per mia fortuna, un po’ rocambolescamente, sono riuscito ad ottenere gli inviti per l’innaugurazione  così da potervi dare qualche utile consiglio per la visione.

Dall’ingresso, prima di avventarmi su Fotografia in Italia dal 1945 al 1975 ( ragione principe della mia presenza al centro di piazza Lucrezio ) decido di deviare verso Tokyo Untitoled di Renato D’agostin, giovane fotografo che cristallizza, con pochi scatti, un Giappone algido e gemetrico, con uno stile estremamente retrò ma a mio avviso eccessivamente di maniera; la deviazione merita i pochi minuti persi anche solo per avvicinarsi allo scatto che vi riporto quì a lato.

Dopo il mini-viaggio nipponico trasvolo nel tempo, e nello spazio, nell’Italia del dopoguerra e del Boom economico, con qualche nome in testa tra cui:  Gianni Berengo Gardin, Carla Cerati, Mario Giacomelli, Mario Lasalandra e Ferruccio Ferroni; rimanendo letteralmente stordito dalla bellezza e dalla ricchezza di ciò che mi trovo davanti.

Dal friuli distante e sospeso di Gardin, all’Africa italiana di Perelli, dal lirismo accecante di Ferroni alla claustrofobia nera di Branzi, per giungere alla fotografia lacerante e metafisica di Giacomelli.

Mai nei miei 24 anni sono riuscito a vedere così tanti autori, uniti tra loro per leggere sfumature tematiche, che come in una tavola cromatica, passano dal reportage alla fotografia di posa, dal paesaggio alla ” messa in scena”, con una soluzione di continuità ( nell’allestimento) che non può che lasciare compiaciuto anche lo spettatore più esigente.

Se siete di passaggio mi pare obbligatorio farci un salto.

Amo l’arte, ma amo anche i laser, i robot,  gli ologrammi, le astronavi, lo spazio e,   perchè no? anche la cibernetica! Il Kinetic Art Fair è dove futuro e arte si scontrano in un mondo fuori dai confini della realtà.

Abbracciate il futuro!  www.kinetica-artfair.com

Philagrafika 2010 è il festival che sostiene l’immagine stampata, al centro dell’arte contemporanea. Concetti di imprinting, la molteplicità, la riproduzione e la serialità, così come le forme fisicamente stampate, sono spesso usate dagli artisti che non pensano a se stessi come Incisori.

In questo festival gli artisti hanno sono più attratti dalle caratteristiche intrinseche alla stampa per raggiungere specifici obiettivi estetici ed espressivi.

Philagrafika 2010 è dal 29 gennaio al 4 novembre
www.philagrafika2010.org
1616 Walnut St. Suite 918 Philadelphia, PA 19103
info@philagrafika.org

Ri|Generazione Astratta. Una nuova generazione per una nuova astrazione

a cura di Giorgio Bonomi dal 3 dicembre 2009 al 5 febbraio 2010

C’è chi insegue il segno e chi l’immateriale; chi si concentra sul gesto, chi affida alle parole oscurità da Pizia, e chi ancora si immerge nel misticismo di una catarsi definitiva.

Ci sono, insomma, diverse anime dell’astrattismo nella collettiva che Renata Fabbri ospita nel suo spazio milanese, portando per la prima volta in Italia Freddy Chandra e accompagnandolo, quasi fosse una Biancaneve al contrario, con sei artiste del nostro paese. Sei donne in fuga dal figurativo, seguendo strade tra loro completamente divergenti; sei voci che intendono significare, nel percorso critico suggerito da Giorgio Bonomi, come l’assimilazione del linguaggio dei grandi maestri possa oggi essere terreno germinale, sul quale investire ricerca per ottenere nuove visioni.

Fabbri Contemporary Art Gallery

Via Stoppani, 15/c (zona Porta Venezia) – 20129 Milano

Orario: da martedì a venerdì ore 10.30-13 e 16-19.30; sabato su appuntamento

Ingresso libero Info: tel. +39 0291477463; info@fabbricontemporaryart.it; www.fabbricontemporaryart.it

Quattro artisti internazionali daranno vita ad un incredibile evento dal vivo di arte:
BTOY ( Andrea Michaelsson e IIlia Mayer) – SPAGNA
PHO (Marco Grassi) – ITALIA
RYAN SPRING DOOLEY – USA

Lo spazio Concept rimmarrà aperto anche DOMENICA 31 GENNAIO 2010 dalle ore 10 alle 18 per consentire a tutti di ammirare le opere create nella serata precedente e altre opere inedite di PHO, RYAN SPRING DOOLEY e BTOY. Entrata libera.

Ecco il Link

BTOY ( SPAGNA) – un collettivo formato da ANDREA MICHAELSSON e IILIA MAYER. Agli stencil di Andrea che traggono ispirazione dalle donne della prima metà del secolo scorso si contrappongono le illustrazioni di IIlia. Nel corso del 2009 hanno esposto i loro lavori presso la Carmichael Gallery di Los Angeles, la Briklane Gallery di Londra e la Gallerie Itinerrance a Parigi (solo show). Nel 2008 hanno partecipato al CAN’S FESTIVAL di Londra (evento voluto e sponsorizzato da Banksy). www.thisisbtoy.com

MARCO PHO GRASSI (ITALIA) – uno dei piu’ affermati street artist italiani, estende la sua ricerca a tutti i materiali, recuperando elementi dal quotidiano come manifesti strappati e bancali in legno, utilizzati come supporto dell’intervento pittorico, in cui l’azione del tempo distrugge e trasforma l’opera, radicandola e contestualizzandola nel tessuto urbano. Ha esposto le sue opere allo Spazio Giucciardini (mostra personale nel 2007), al Padiglione di Arte Contemporanea a Milano (Street art sweet art – 2007), al Muse di Arte Contemporanea di San Paolo (dos graffitos a pintura – 2008) , alla Bricklane Gallery e Urban Angel Gallery di Londra (2009) e a Berlino (performance live – Projectroom – 2009). www.pho16k.it

RYAN SPRING DOOLEY (USA) – Nel 2000 decide di stabilirsi in Italia, tra la campagna pavese e Milano, la vita in queste piccole reatà, messa a confronto con la dispersione e spersonalizzazione delle metropoli americane gli fa capire quanto sia importante mettere costantemente in relazione la street art con il luogo e la storia locale, cercando di creare un dialogo armonioso tra le due. Sviluppa in questi anni uno stile che affonda le proprie radici nella pittura pura, ma che allo stesso tempo si estende a tutto il vasto spettro delle arti: pennello, spray, scultura e past up si fondono insieme sulla parete. Ha esposto le sue opere a Minneapolis (1998), a Milano, Bologna, Berlino (urban affair 2009) e a Monaco (stroke 01 – 2009). www.ryan-spring.com